TP Nº 5: RETRATO POP ART

MARILYN MONROE. Por Andy Warhol

Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: «En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos». Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista.

Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida.

Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados «anti-artísticos» constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva.

El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte. Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie».

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

TP N° 4: CADÁVER EXQUISITO

El movimiento surrealista, junto con otros movimientos como el dadaísmo, el cubismo y el constructivismo, constituyó en los inicios del siglo XX una transformación estética, cultural y artística de suma importancia. Influenciados por cambios políticos, económicos y sociales, como la Primer Guerra Mundial y la revolución rusa, o científicos como la teoría de la relatividad, el cine, la literatura, la pintura, la fotografía y la música, los seguidores del surrealismo cuestionaron profundamente la tradición artística que los precedía.

Una consecuencia de este movimiento fue la democratización del acto creativo, bajo el lema de que "la poesía puede ser hecha por todos". Hacia allí apuntan las consignas de escritura de la Propuesta "Escritura surrealista": consignas donde el azar, la escritura colectiva, las escrituras automáticas y las metáforas inesperadas implican un ejercicio lúdico con el discurso poético y donde, sin duda, todos podemos producir formas y procedimientos cercanos a la poesía.

Cadáver exquisito es un juego de palabras por medio del cual se crean maneras de procrear, es decir, sacar de una imagen muchas más. El resultado es conocido como un cadáver exquisito o cadavre exquis en francés. Es una técnica usada por los surrealistas en 1925, y se basa en un viejo juego de mesa llamado "consecuencias"[cita requerida] en el cual los jugadores escribían por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura, y después la pasaban al siguiente jugador para otra colaboración.

El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior. El nombre se deriva de una frase que surgió cuando fue jugado por primera vez en francés: « Le cadavre - exquis - boira - le vin - nouveau » (El cadáver exquisito beberá el vino nuevo). En resumidas cuentas se combinan cosas de una idea agregando elementos que pueden o no pertenecer a la realidad. Los teóricos y asiduos al juego (en un principio, Robert Desnos, Paul Éluard, André Bretón y Tristan Tzara) sostenían que la creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática.

Neruda y Lorca los llamaron poemas al alimón; Nicanor Parra y Huidobro, quebrantahuesos (Junto a Enrique Lihn y Jodorowsky hicieron una exposición denominada "el quebrantahuesos").

Nicolas Calas –vanguardista suizo- sostenía que un cadáver exquisito tiene la facultad de revelar la realidad inconsciente del grupo que lo ha creado, en concreto los aspectos no verbalizados de la angustia y el deseo de sus miembros, en relación con las dinámicas de posicionamiento afectivo dentro del mismo. Ernst observó que el juego funciona como un 'barómetro' de los contagios intelectuales dentro de un círculo de creadores.

Decía Rulfo que no existen más que tres temas básicos: el amor, la vida y la muerte: para captar su desarrollo normal, hay que saber cómo tratarlos, qué forma darles, sin repetir lo que han dicho otros. En tanto metabolismo continuado de anteriores lecturas, podría considerarse si la literatura no es en sí misma un gran cadáver exquisito a partir de temas y preocupaciones bastante simples.

Esta técnica de escritura es común en talleres literarios e incluso en ejercicios en la red en webs dedicadas a la escritura. Posteriormente esto evolucionó a otras disciplinas como la pintura, el vídeo e incluso a la arquitectura, dando lugar a grandes obras colectivas en las que se refleja el espíritu del grupo y no la individualidad del creador.

CÓMO SE JUEGA

Se forman grupos de seis o siete participantes que se sientan alrededor de una mesa. El primero escribe una frase en un papel y, al terminar, lo dobla dejando que se vea sólo la última palabra. A partir de ésta, el segundo participante escribe otra frase y así sucesivamente. El juego se puede repetir varias veces, cuantas se quiera. Al finalizar, se desdobla el papel y se lee el resultado. 

Cadavre Exquis 1926 Man Ray, Yves Tanguy, Joan Miró, Max Morise. Tinta y lápiz sobre papel.

Cadaver exquisito André Breton, Yaqueline Lamba, Yves Tangui. Collage.

Cadaver exquisito Bernat M. Gustà, Marc M. Gustà , Edu Castells 

TP N°3: TIPOGRAFÍAS NORMALES, CONDENSADAS Y EXPANDIDAS

UN POCO DE TEORÍA....

Las va­ria­bles ti­po­grá­fi­cas son opciones que nos ofrece una misma familia para responder a las di­fe­ren­tes ne­ce­si­da­des de la co­mu­ni­ca­ción vi­sual. Las utilizamos, entre otras cosas, para es­ta­ble­cer dis­tin­tos ni­ve­les de jerarquización den­tro de un tex­to, para al­te­rar el co­lor, para cambiar el rit­mo, etc.

Las va­ria­bles ti­po­grá­fi­cas son ele­men­tos que, al per­te­ne­cer a un sis­te­ma, de­ben man­te­ner pa­ren­tes­co for­mal con la fa­mi­lia de la que son par­te. En ge­ne­ral, ac­túan so­bre la dirección, el pe­so (grosor), el an­cho de la le­tra (proporción) y el cuerpo tipográfico  (tamaño).

ANCHO DE LA LETRA O PROPORCIÓN

La variable de proporción hace referencia a la modificación del ancho de la letra. Siempre las variaciones en la expansión o en la condensación de la tipografía se establecen en el sentido horizontal, es decir que lo que varía es el tamaño del ancho tipográfico. La variación de tamaño en el sentido vertical no se considera una variable tipográfica, ya que corresponde a la simple alteración de la medida del cuerpo tipográfico (tamaño de la letra).

En la tipografía digital, se considera normal o regular una tipografía cuando su relación alto/ancho es de 5 a 4 (5 módulos en el alto por 4 módulos en el ancho), tomando como referentes la letra ene (n) minúscula y la hache (H) mayúscula.

CONTRASTE DE COLOR
Cuando vemos un color, nuestra percepción de él es influida por los colores que lo rodean. Nunca podremos considerar las características de un color como absolutas sino siempre relativas al entorno. En el siguiente ejemplo podemos ver como en cada fila de cuadrados los centrales, que tienen el mismo color, parecen tener colores distintos.Cuando dos colores diferentes entran en contraste directo, el contraste intensifica las diferencias entre ambos. El contraste aumenta cuanto mayor sea el grado de diferencia y mayor sea el grado de contacto, llegando a su máximo contraste cuando un color está rodeado por otro.

PIET MONDRIAN

“GRAN COMPOSICIÓN A” (1920) Óleo sobre tela – 90,2 cm x 90,8cm

Dentro de la evolución pictórica experimentada por Mondrian, esta tela debe inscribirse en el más puro neoplasticismo. El pintor sólo ha utilizado los colores primarios, además del blanco y el negro. La tensión está dada por la retícula que forman las líneas verticales y las horizontales. La simbología de la composición era muy importante para Mondrian: lo horizontal era lo femenino, lo melódico, lo dinámico y el tiempo; mientras que lo vertical representaba lo masculino, lo armónico, lo estático y el espacio. Era la convergencia de ambos lo que permitía construcciones perfectas. La severidad geométrica tenía la función de evitar toda manifestación emocional a través del arte. Para Mondrian la ruina del arte había sido intentar imitar la naturaleza. Ello había alejado al hombre de lo racional y lo espiritual y le impedía progresar.

Además, la naturaleza ya no tenía cabida en las nuevas ciudades pobladas de avenidas y carteles de luces de neón. El pintor consideraba que su obra solo sería entendida por el hombre del futuro a quien dedicaba sus escritos.